Калининградский ТЮЗ

Театр впервые открылся в 1893 году, хотя заезжие труппы играли в неприспособленных помещениях в Тильзите и раньше. Первым спектаклем, сыгранным на сцене театра, стала драма Гёте «Эгмонт». Первым директором театра был Эмиль Ханеманн. Старое здание театра было значительно перестроено в 1903 году, зрительный зал был заметно расширен. А в 1908 году театр возглавил Франческо Сиоли. В 1936 году здание театра подверглось очередной перестройке, театр получил название «театр пограничной земли». С началом Второй мировой войны театр был закрыт.


6 ноября 1956 года спектаклем Д. Зорина «Вечный источник» в Советске открылся городской драматический театр. Труппу составили артисты из театров Москвы, Ленинграда, Мурманска и других городов страны. Главным режиссером назначен Иван Иванович Прохонов, хорошо известный зрителям по работе в Калининградской драме. Пресса отмечала, что молодой коллектив великолепно справился с трудной задачей и что, уже первая постановка театра имела большой успех. Через год в театр приходит новый главный режиссер. За восьмилетнее пребывание Александра Бродецкого во главе труппы, театр твердо встал на ноги, окреп и возмужал. Он приобретает любовь и признание не только в своем городе, но и за пределами области. В заботах о привлечении зрителей и популярности театра А. Бродецкий приглашает для участия в спектаклях известных артистов театра и кино. Знаменитая Нина Алисова играет свою коронную роль Ларисы в «Бесприданнице» А.Островского. В спектаклях театра принимают участие популярнейшие артисты советского экрана Михаил Жаров и Михаил Названов. Не было недостатка и в своих талантах, и столичные «звезды» гармонично растворялись в среде любимых горожанами ведущих артистов театра, таких как: Анатолий Косиченко, Елена Тигровская, Владимир Ильцевич, Евгений Лашицкий, Тамара Свириденко, Капитолина Иванова, Валентина Соловьева и др.. Не уступала «ведущим» и молодежь театра. Гелене Бондурко, Алле Лысуненко, Анатолию Кедрову работоспособности и талантов было не занимать у старших. И потому им не боялись поручать большие, а порой и ведущие роли. Так совсем еще молодая актриса Раиса Алехина была назначена на роль Кабановой в спектакле «Гроза» А. Островского. А Борису Миронюку, специализировавшемуся на молодых героях, была доверена главная роль старика-инвалида Акиры Ямомоты в спектакле «Праздник Фонарей» Г. Пфейфера, с которой он блестяще справился. Михаил Левченко с огромным успехом играл гусара-забияку Дениса Давыдова в одноименном музыкальном спектакле В. Соловьева. А Владимир Трущенко был самым молодым в истории театра Протасовым в спектакле «Дети солнца» М. Горького.

Пятнадцать лет творческой деятельности Б. Г. Кодоколовича (1966-1981) смело можно назвать «эпохой Кодоколовича» в данном театре. За время его руководства было осуществлено более 100 постановок. Многие из спектаклей, созданных этим замечательным, самобытным режиссером, получили высокую оценку критики и были отмечены различными премиями и дипломами. Они навсегда вписались в историю театра г. Советска. Это: «Дети солнца» М. Горького – лауреат фестиваля русской классики в Польше; «Разлом» Б. Лавренева и «Лес» А. Островского были награждены дипломами Министерства культуры СССР; «Материнское поле» Ч. Айтматова с Заслуженной артисткой РСФСР Капитолиной Ивановой в главной роли – лауреат Всероссийского фестиваля драматургии союзных республик 1969 года. «Но, главное, что удалось Кодоколовичу, это утвердить театр как культурный центр города, прежде всего. Он сумел собрать вокруг себя единомышленников, которые в трудных условиях занимались настоящим искусством», - писал о Кодоколовиче драматург Петр Градов.

В семидесятые годы театр был базовым центром для прохождения практики и постановки дипломных спектаклей студентами-выпускниками режиссерского факультета ЛГИТМИКа. С легкой руки и мудрого сердца Б. Кодоколовича некоторые из выпускников оставались работать в Советске. Так появились в театре Владимир Мазур и Анатолий Клименский, посвятивший нашему театру восемь лет своей творческой деятельности. Быть занятыми в спектаклях этого необыкновенно талантливого режиссера, артисты театра считали за большое счастье. О «Женитьбе Бальзаминова" в постановке А. Клименского, «Калининградская правда» писала так: «Режиссер А. Клименский нашел новые краски, новую стилистику, которая ощущается во всем: в сценографии (худ. И. Можина), в музыкальном оформлении (С. Непомнящий). Артист Юрий Рахно необыкновенно изобретателен в изображении своего героя – Бальзаминова. На сцене театра родился спектакль остросатирический, даже буффонадный».

В конце шестидесятых труппу театра пополнила большая группа выпускников Саратовского, Ярославского, Горьковского училищ, Ленинградского и других театральных вузов. Среди них: Владимир Максимов, Анатолий Кузьмин, Валентина Золина, Владимир Зубенко, Игорь Платонов, а в семидесятых - Лариса и Анатолий Ореховы, Ирина Третьякова, Анатолий Мельников, Виктор Козлов, Надежда Жегунова, Галина Непомнящая, Наталья Антонова и другие, немного позже – Людмила и Дмитрий Волошины, Анатолий Грабовенко, Роман Нагметов.
Журналистка И. Кольцова писала тогда в «Калининградской правде»: «Молодость и энтузиазм определяют сущность творческого лица драматического театра Советска. Молодые артисты составляют большинство в труппе и играют они ведущие роли. Здесь любят и часто ставят спектакли о молодом поколении, его поисках и мечтах. Здесь ищут, и смело берутся за трудные в постановке вещи. Здесь со всей щедростью молодости отдают свое искусство людям».

На долю Владимира Волкоморова, принявшего театр от Кодоколовича, достались едва ли не самые трудные (по причине пожара) пять бездомных лет. Но даже в этих невероятно тяжелых условиях выпускались спектакли, достойные самой высокой оценки. По-прежнему играли Островского, Горького: «Не все коту масленица» с замечательным Аховым в исполнении Александра Иванова и не менее интересным Игорем Платоновым в этой роли, «Фальшивая монета».
Из современной драматургии: «Печка на колесе» Н. Семёновой с Иваном Тереховым и Раисой Алехиной в главных ролях; «Я пришел дать вам волю» В. Шукшина с большой актерской удачей Виктора Козлова в роли Степана Разина; «Рядовые» и «Порог» А. Дударева с прекрасной работой Бориса Миронюка в роли Буслая; «Последний срок» В. Распутина, с Капитолиной Ивановой в главной роли, где также было немало прекрасных актерских работ. И, не смотря на кочевую жизнь, неподходящие технические условия, в репертуаре появлялись даже мюзиклы, такие как: «Пенелопа» А. Журбина и «Хелло, Долли!». Т. Уайлдер с примадоннами Геленой Уткиной и Марианной Волкоморовой.

Было бы не справедливо не назвать имена тех, чей скромный, но не менее важный труд не сразу заметен для глаз зрителей, и кто в те трудные годы остался верен своему театру. Это машинист сцены Зенонас Грикшас, которого, словно «героя» переманивали к себе другие театры; костюмер Татьяна Ивановна Булдакова; помощник главного режиссера по труппе Галина Михайловна Ермашова и заведующая костюмерным цехом Александра Романовна Ница, отдавшие этому театру всю свою жизнь до последнего дня.
Людмила Жаринова – гример-пастижер пришла в театр совсем девочкой, продолжает работать и сегодня, ведь без неё артисты – как без рук.

Вторую половину восьмидесятых можно охарактеризовать как «Новая волна». С главным режиссером Петром Шумейко и режиссером-постановщиком Евгением Марчелли в труппу театра влились новые молодые силы: Николай Паршинцев, Николай Зуборенко, Ирина Несмиянова, Виталий Кищенко, Вера Красовицкая, Игорь Гниденко и другие. Петр Дмитриевич Шумейко обладал редчайшим для главного режиссера человеческими качествами. Он был необыкновенно мягким, интеллигентным, и еще он был неисправимым романтиком, и, конечно же, замечательным артистом. Зрители боготворили Петра Дмитриевича в роли красавца-капитана дальнего плавания в спектакле «Клуб нелюбимых или ромашка без лепестков» И. Гофф. Петр Шумейко Наряду с традиционными спектаклями П. Шумейко появляются эксперименты авангардных постановок Е. Марчелли. Лирико-романтические постановки Петра Шумейко «Скамейка» А. Гельмана (с прекрасным актерским дуэтом Раисой Алехиной и Василием Лебедевым), «Сирано де Бержерак» Э. Ростана (с Борисом Миронюком в главной роли) и та же «Ромашка без лепестков» гармонично дополняются неожиданно-взрывными и необыкновенно эмоциональными «Дачниками» (М. Горький), «Боем бабочек» (Г. Зудерманн), трагифарсом «Ромео и Джульетта» (В. Шекспир) Евгения Марчелли.

С назначением Е. Марчелли на должность главного режиссера театр качественно меняет свой имидж. Постановки Марчелли неизменно привлекают внимание ведущих театроведов страны. Марчелли Евгений Жозефович родился 19 мая 1957 года в г. Фрунзе Киргизской ССР. Отец – Марчелли Жозеф Роккович – итальянец, эмигрировавший в СССР в 1930 г. Мать – Мягких Зоя Сергеевна – русская. Окончил актерский факультет Ярославского театрального училища им Ф. Волкова, затем – Высшее театральное училище им. Б. Щукина, факультет «режиссер драматического театра» (1985 г.). В том же году в театре г. Советска ставит дипломный спектакль «Остров» Э. Акопова и назначается на должность режиссера-постановщика.

В 1991 году Евгений Марчелли становится главным режиссером театра. В этом же году выпускается его авторский спектакль «В белом венчике из роз…», и показывается в Севастополе на фестивале «Херсонесские игры-92», о котором тогда театральный критик Евгения Розанова написала в журнале «Современная драматургия»: «… Работа Евгения Марчелли и его коллег – откровение молодого поколения, своеобразный душевный стриптиз, в котором игра – способ жизни, особый тип поведения и состояния человека, живущего на пределе сил.» С назначением Е. Марчелли на должность главного режиссера театр качественно меняет свой имидж. Постановки Марчелли неизменно привлекают внимание ведущих театроведов страны.

В октябре 1993 года театр отмечает столетие Тильзитской сцены. Праздник открылся премьерой спектакля «Бой бабочек» - первой постановкой Германна Зудерманна в послереволюционной России. Новая работа Евгения Марчелли – как всегда нетрадиционная, сразу же вызвала всплеск эмоциональных споров и толкований в прессе, а позднее и на театральных фестивалях в Москве и Санкт-Петербурге. «Под масками прятались души, униженные, страдающие. Эффект соединения «чистописания» и вечных тем, душещипательной поэтики, волнующего содержания оказался неожиданно сильным. Смеясь, мы заглядываем в ад, где обитают бабочки, червячки, кузнечики. Е. Марчелли и его прекрасная труппа разбирает машину или наблюдает за нравами насекомых, или разгадывает сны, а из этого вдруг возникает искусство», – писала известный критик Елена Горфункель в петербургском издании «Антракт».

А театральный критик и друг театра из Калининграда Игорь Савостин на страницах газеты «Экран и сцена» в статье «Есть время» написал такие слова о Тильзит-Театре:
«Зрители, сохранившие непосредственность, и отзывчивость на спектаклях Тильзит-Театра плачут и смеются. Потому что Марчелли ставит спектакли обо всей нашей жизни. Точнее сказать: обо всей Жизни. Кроме политики. А вы, любезные зрители, пришли в театр, который рассчитывает на нашу с вами искренность. Спектакли Тильзит-Театра открывают нам необходимость, невозможность и цену познания любви. На Международном фестивале им. Ф. Волкова в г. Ярославле 2003 г. Тильзит-Театр удостоен премии Правительства Российской Федерации имени Ф. Волкова за вклад в развитие театрального искусства. О Марчелли пишут как об «уникальном явлении», его называют «Мастером», «королем советского авангарда», художником, ломающим стереотипы.

В феврале 2003 года Евгений Марчелли получает высокое звание Заслуженного деятеля искусств. Он признан «Лучшим режиссером российской театральной провинции 2005 года» и становится обладателем престижнейшей Национальной Премии «Золотая Маска». Известный театральный критик Ирина Холмогорова в своей статье «Воспоминания о будущем», в журнале «Театр» так высказалась о Тильзит-Театре: «Театр Марчелли - театр, принципиально не занимающийся тем, что называется серьезным словом "проблема". Это театр вызывающе аполитичный, асоциальный, чуждый любому назиданию. Театр, руководимый одним из лучших режиссеров страны, жизнеспособная труппа, спектакли, являющие собой художественную ценность. ...Театр Марчелли - это авторский театр, чаще строящийся не на классических текстах, а на вольных импровизациях, почти всегда играющий один и тот же спектакль - о женщине и смерти, о ликующей побудительности первой вопреки второй. Театр, являющий нам мир, как непрерывный караван, в том глубинном смысле слова в каком он является частью феллиниевской - да, да! - модели мира".