Кино-Театр.ру
МЕНЮ
Кино-Театр.ру
Кино-Театр.ру
Убедительная просьба подписываться благозвучными именами и отправлять содержательные сообщения, которые будет интересно читать другим посетителям.
Пожалуйста, соблюдайте правила нашего форума
  • запрещено обсуждение политики, классовых, религиозных и национальных вопросов;
  • запрещено обсуждение личной жизни публичных людей;
  • запрещено использование в сообщениях нецензурных слов, брани, выражений, оскорбительных для других посетителей;
  • запрещена публикация сообщений, содержащих ссылки на "пиратский" контент (фильмы, музыка и т.п.);
  • запрещено отправлять сообщения под разными именами с одного компьютера;
  • запрещено обсуждение действий модераторов;
  • запрещено повторять удаленные сообщения.

Войти через Facebook     Войти через Вконтакте



Ж
К
П
З
цит
url
e-mail
спойлер


1 2 3 >

36
Натали 1978   2.10.2017 - 18:18
Риманта, мне очень радостно, что вы ознакомились с творчеством моих любимых художников и вдвойне приятно, что вам оно понравилось. Если уж совсем честно, мне тоже ближе всего (для души) именно те, которых вы отметили: Гвидо Борелли, Андрес Шумский и Михаил Орловски. Ну и теперь еще голландские натюрморты, конечно. Мне всегда очень печально, что на просторах интернета, многие картины отредактированы на усмотрение фоторедакторов по цветовой гамме, насыщенности, резкости и не соответствуют своим оригиналам. Особенно это заметно на картинах Моне. Но картины Борелли и голландские натюрморты, мне кажется, невозможно испортить ничем). Вы еще писали про картины, на которых изображают внутреннее убранство комнат. А какие это картины? Было бы очень интересно посмотреть…

Гиперреализм – для меня очень интересное направление. Оно достаточно новое, появилось в семидесятых годах прошлого века и вызвало очень неоднозначное отношение. Одни восхищались, а другие недоумевали: зачем рисовать то, что можно просто сфотографировать? Или вот так: бестолковое искусство перерисовывания. Но очень редкий художник способен столь точно отобразить реальный мир. Несмотря на то, что гиперреализм, фотореализм и суперреализм рассматривают совместно, современный гиперреализм не совсем гиперреалистичен - вы совершенно справедливо это отметили. Современный гиперреализм не стремится слишком точно передать действительность на уровне фотоснимка, он стремится создать некоторую иллюзию реальности. Жан Бодрийяр: «симуляция того, чего на самом деле никогда не существовало». Сначала художник делает фото в естественных условиях, потом обрабатывает это фото с помощью графических редакторов (может изменять цвет, насыщенность, текстуру, фон, акценты, прорисовывать детали, применять ретушь, фильтры, оптические эффекты и даже фотомонтаж – это как раз все то, что является моей основной профессией - компьютерная графика))) и только затем рисует полученное изображение. Таким образом художники гиперреализма создают убедительную и красочную иллюзию реальности, которая более правдоподобна в работах, чем на самом деле, в отличии от фотореализма. Сверхреальность фотореализма мне менее близка. Это больше принцип автоматизма, документализма и механический характер изображений. На мой взгляд, фотореализм чрезмерно статичен, холоден и отстранен от зрителя. Поэтому мне тоже ближе не очень реалистичные работы).
35
Риманта   27.09.2017 - 15:47
Натали, я ознакомилась с творчеством ваших любимых художников. Безоговорочно и безусловно мне очень-очень понравился Гвидо Борелли. Ощутила физически это тепло от его картин, это горячее солнце, а красота какая на его полотнах, перенестись бы туда- на эту улочку или к двери этого дома..! Я представляла себя на каждой его картине. Михаил Орловски и Андрес Шумский тоже очень понравились! Род Чейз- тоже, но у него и впрямь гиперреализм, я не очень его люблю, мягко сказать. Но у него не все гиперреалистично- и такие картины мне гораздо более понравились.
34
Натали 1978   24.09.2017 - 21:29
№32 Риманта
А вы какие направления в живописи предпочитаете?
По жанру самое близкое – пейзаж и архитектура.
По стилю - реализм (Шишкин, Поленов, Левитан, Клевер - закаты: «В парке Гатчинского дворца» (1894), «Закат солнца зимой» (1891), «Зимний закат в еловом лесу» (1889)… ), импрессионизм (Клод Моне), гиперреализм (Род Чейз: «Reflections of Rome», «Land of Liberty»...)

Если «для души» - близки стили, которые побуждают радоваться жизни, слегка волшебные, будоражащие воображение, пропитанные историей, ностальгией и солнцем.

Романтизм). Итальянский художник Гвидо Борелли - итальянские пейзажи, дома, виллы. Его картины вызывают удивительно яркие положительные эмоции, кричащие о том, что нужно радоваться жизни. Борелли: «Кто сказал, что рая на земле не существует?» Богатая цветом манера письма удивительным образом переплетается с романтикой. Еще малоизвестный венгерский художник Андрес Шумский (Andras Shymski) - тепло солнечного дня и романтика старых улочек.

Французский кантри (прованс). Великолепные пейзажи юга Франции. Узкие улочки прованских городов, наполненные солнцем и счастьем, где смешиваются воедино история и природа. Совсем не обязательно деревенские мотивы, ничуть не меньше меня завораживают улочки Парижа, площади и тихие кафе.

Если городской пейзаж, то - голландский художник Адриан Эверсен. Тоже – романтизм). Очень позитивные картины, выполненные в солнечной и очень сочной палитре. Правда в его творчестве очень много свободы и многие его работы не соответствуют реальности.

Очень близки городские пейзажи, выполненные акварелью. Как старинные, так и современные вплоть до урбанистических (прекрасное в серых городских буднях)). Современные художники - Тьерри Дюваль («Нотр Дам де Пари», «Крыши Монмартра», «Мост встреч в Венеции»), Томас Шаллер, Сергей Брандт, Михаил Орловски.

Еще с раннего детства близок художник-карикатурист - Херлуф Бидструп. Не политическими шаржами, а смешными и курьёзными рассказами в картинках.

Из «серьёзного» - символизм. Художник-философ Николай Рерих: «Протяните руку над бездною. Нет страха над бездною, ибо духу страшнее комната и ковер». Очень мне близка богатая и насыщенная цветовая гамма и глубокая философия его картин. Из современных - Георгий Матевосян: бесконечность, как основная философия живописи… Неповторимый и многогранный мир чувств, интуиции, иллюзий, вдохновения, фантазии и позитива.
сообщение было отредактировано в 21:58
33
Натали 1978   24.09.2017 - 21:10
Риманта, голландские натюрморты просто потрясающие! Пересмотрела все, что удалось найти и получила огромное удовольствие. Мне это очень близко. В детстве я очень любила рисовать натюрморты. Родители снабжали меня А0 форматами ватмана, я собирала со всей квартиры «трофеи» и рисовала их в натуральную величину. В карандаше получалось замечательно, но краски все портили. Поэтому я перешла на портреты. Портреты в карандаше выглядят интереснее, чем в красках. Ну … мне эта теория подходит))).

Очень заинтересовали меня ваши мысли по поводу картин, представляющих собой вид из окна. Никогда не задумывалась об этом. Очень верно: открывает простор для фантазии и воображения… Пока изучала, вот такая мысль мне еще понравилась: окно, как граница и объединение миров. Потрясающе интересно…
32
Риманта   22.09.2017 - 20:53
Натали, я люблю примитивизм. Импрессионистов. Обожаю и ценю в картинах интересные и необычные перспективы. Безумно привлекают картины, представляющие собой вид из окна. Меня это волнует и открывает простор для фантазии и воображения. А еще, когда изрбражают внутреннее убранство комнат. Пейзажи- моя любовь. Классическую живопись не очень... Отдаю должное мастерству художников, но нравится мне манера живописцев, отходящих от классических канонов. Мне милее Пиросмани, чем вычурные полотна Да Винчи или Рафаэля. Петров- Водкин, Борисов- Мусатов, Шагал и другие. Но, в то же время, голландские натюрморты- моя слабость. А вы какие направления в живописи предпочитаете?
31
Натали 1978   21.09.2017 - 19:57
№30 Риманта
Какой удивительный художник..! Мне очень нравятся его картины"Рожь","Перед грозой","Среди долины ровныя", впрочем, все его полотна- великолепны.
Очень интересные картины. Любопытно, специалисты считают, что картина «Среди долины ровныя» (1883) написана не с натуры, что Шишкин придумал пейзаж для этого полотна, созданного вскоре после ухода из жизни его жены. Художник услышал песню «Среди долины ровныя», грустный напев и трагический смысл которой нашли отклик в его душе. Тема одиночества с особой силой прозвучала в этой картине. А вот картина «Перед грозой» (1884) настолько реалистична, что сомневаться в достоверности пейзажа не приходится. Шишкин удивительно точно передал атмосферу природы, на которую через мгновенье обрушится беспощадная стихия. Картина «Рожь» (1878) мне тоже очень близка. Она вызывает очень позитивные эмоции, поскольку для ее создания была использована очень яркая манера живописи. За это художника часто упрекали и называли некоторые его картины раскрашенным рисунком. Тем не менее, это полотно выглядит очень реалистично. Еще в этой картине Шишкин соединил воедино очень разные вещи: поле ржи и высоченные сосны. Символическое значение сосен - выносливость, сила жизни и прочность. Деревья на картине представляются богатырями, охраняющими ржаное поле. Шишкиным сделал надпись на одном из эскизов: «Раздолье, простор, угодье, рожь, благодать Божья, русское богатство».

Я абсолютно соглашусь с тем, что все полотна Шишкина великолепны. Для меня он, пожалуй, единственный художник у которого мне нравятся исключительно все картины. Но сосны - это моя страсть, поэтому более других: «Корабельная роща» (1898), «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии» (1872), «Рожь» (1878), «Сосна на песке» (1884), «Опушка леса» (1884), «Сосновый лес» (1889), «Сестрорецкий бор» (1886), «Туман в лесу» (1888) – остановите меня кто-нибудь))))). Еще мне очень близки: «Вид на острове Валааме» (1858), «Вид на острове Валааме. Местность Кукко» (1860). И вот эта - композиционно: «Родник в сосновом лесу» (1892). Риманта, мне так показалось, что наше с вами восприятие живописи очень различается. Было бы интересно узнать, какие еще работы (или художники) вам близки?!

Забавная история на эту тему, произошедшая в редакции, где я работала. Перед сдачей номера в печать неожиданно появился интересный материал о русской природе. Перед фотографом стояла задача: «срочно снять какую-нибудь «зелень» на русскую тему))). Но беда в том, что на тот момент были доступны два фотографа, один из которых был студийным и специализировался на съемках знаменитостей, а второй снимал архитектуру - преимущественно монастыри и церкви. Они оба получили одинаковое задание и на следующий день представили на всеобщее обозрение результаты своей работы. Даже «старые работники культуры» были в шоке от увиденного. Первый фотограф отснял по принципу «ничего лишнего»: ромашка, березка, несколько ромашек, несколько березок – просто, но в то же время очень искусно. А второй запечатлел бескрайние поля и леса с размахом, свойственным русской душе. «Минималист» и «максималист»))). Разумеется, возник спор, а точнее сражение))).

«Минималист» доказывал, что важно свести к минимуму количество объектов, сторонних элементов, лишних деталей и не отвлекать внимание зрителя на композиционные решения. Все внимание должно принадлежать главному объекту (объектам), потому как это позволяет с философской точки зрения подойти к снимку и размышлениям о природе. По его мнению, даже самое малое несет в себе частицу большого, потому индивидуальный облик отдельного объекта более важен, чем изображение целого леса или поля.

«Максималист», напротив, убеждал, что не столько важно показать конкретный объект, сколько важно показать образ в целом. Пространство строится планами, увлекает взгляд вглубь, в центр композиции и у зрителя при этом возникает впечатление, что он оказался внутри полного деталей изображения. По его мнению малое никогда не теряется в панорамных снимках и выходит на первый план каждой травинкой, цветком, деревом, а затем переходит в безбрежные просторы, вобравшие в себя все.

Каждый был по-своему прав, и вопрос решился обычным голосованием в пользу первого (мне ближе второй вариант)). Несмотря на это, споры продолжались еще достаточно долго и привели в итоге к следующим выводам - все зависит от восприятия: «минимализм» больше рассчитан на философской подход, а «максимализм» на эмоциональное восприятие изображения. Вот такая история!)))
30
Риманта   20.09.2017 - 15:27
Натали, спасибо, я с большим удовольствием прочитала про Шишкина. Какой удивительный художник..! Мне очень нравятся его картины"Рожь","Перед грозой","Среди долины ровныя", впрочем, все его полотна- великолепны. Если брать"лесные" темы, то, наверное,"Березовая роща"самая любимая.
29
Натали 1978   14.09.2017 - 18:54
Иван Шишкин: «Россия - страна пейзажей!» Выдающийся критик Стасов: «Шишкин всю жизнь изучал русский лес, русское дерево, русскую чащу, русскую глушь. Это его царство, и тут он не имеет соперников, он единственный.»

Отец Ивана Шишкина был человеком очень образованным и любил искусство. Он всячески поощрял интерес сына к творчеству и покупал ему краски. Первой работой маленького Шишкина был разрисованный забор возле дома))).

Практически во всех работах Ивана Шишкина один из главных героев картины - это лес. Шишкин считал, что вечнозеленые сосны и ели подчеркивают ощущение величия и вечности мира природы. Иван Шишкин как никто другой знал природу. Однажды он пришел в мастерскую к Репину и, рассматривая его новую картину, где изображался сплав плотов по реке, поинтересовался, из какого они дерева. «Какая разница?!» – удивился Репин. Шишкин стал объяснять, что разница велика: если построить плот из одного дерева, бревна могут набухнуть, если из другого – пойдут ко дну, а вот из третьего – получится справное плавучее средство! Его знание природы было феноменальным.

Из дневника Шишкина: «Более сорока лет пишу лес, лес… Для чего пишу? Только для того, чтобы порадовать чей-то глаз? Не только для этого, оказывается… Нет ничего прекраснее лесов. Лес - это жизнь. Люди должны об этом помнить.»

Из воспоминаний современников: «Каждый день он, к примеру, проходил до сорока километров по округе в поисках «волшебного места», где его посетило бы вдохновение. Даже когда художник тяжело заболел (стали отказывать ноги), он все равно отказывался писать по памяти, не с натуры. В этот период вместе с ним в его лесные «студии» ходил специальный помощник.»

В своих работах Шишкин очень часто использовал интересный композиционный прием: верхушки огромных мощных деревьев срезаются краем холста и как будто бы не вмещаются даже в достаточно большое полотно. Этот прием подчеркивает величие мира природы.

Еще Ивана Шишкина называют - «художником полудня». На его картинах практически нет закатов и рассветов, везде царит яркий день и сияет солнечный свет. Это очень сложный сюжет для живописца, так как отсутствуют тени и все сливается. Писать полдень считается вершиной художественного мастерства.

«Утро в сосновом лесу» или «Утро в сосновом бору» (1889) (на сайте Государственной Третьяковской галереи «лесу»))). Известный факт, что для изображения мишек Шишкин привлек известного анималиста Савицкого, который с задачей справился превосходно. Шишкин справедливо оценил вклад Савицкого и попросил его поставить свою подпись под картиной рядом со своей. В таком виде полотно привезли Третьякову, который успел купить картину у художника в процессе работы. Увидев подписи, Третьяков возмутился. Картину он заказывал Шишкину, а не тандему художников. Третьяков распорядился убрать вторую подпись. Так Шишкин стал единоличным автором известной картины.

«Дубовая роща» (1887) На картине изображен яркий солнечный день в дубовом лесу. Тщательно прорисованные детали настолько приближают картину к естественности, что забывается о том, что лес написан маслом и в него нельзя войти. Любопытно, что путь Шишкина от идеи написания «Дубовой рощи» до первых мазков кисти составил три десятка лет. Именно столько времени потребовалось художнику, чтобы сформировалось видение этого полотна.

«Дождь в дубовом лесу» (1891) Любопытная история, связанная с написанием картины. Знакомая Шишкина, пробегая в грозовой ливень мимо его дачи, с удивлением обнаружила его, стоявшего босиком в совершенно промокшей одежде посреди луж. «Вы тоже попали под дождь?» – спросила она. «Нет, я вышел под дождь! Гроза застала меня дома. Увидел в окно это чудо и выскочил поглядеть. Какая необычайная картина! Этот дождь, это солнце, эти росчерки падающих капель… И темный лес. Хочу запомнить и свет, и цвет, и линии…» – ответил художник.

«Первый снег» (1875) Эта картина представляет исключение, так как в ней прослеживаются не свойственные художнику уныние и тоска. Реализм Шишкина достиг здесь апогея. Он ничуть не утрирует, не акцентирует, не преувеличивает. Настроение создается унылой естественностью сырого тоскливого леса.

«Корабельная роща» (1898) Савицкий увидев картину сказал: «Сосной на выставке запахло, солнца, света прибыло». Эта картина - самая крупная по размерам в творчестве Шишкина. Полотно, сочетающее в себе гармонию и величие. В произведении воплощено то глубокое знание природы, которое было накоплено художником за весь творческий путь. «Корабельная роща» была написана художником под впечатлением природы родных мест, памятных Шишкину еще с детства и этим полотном Иван Шишкин завершил свой творческий путь.

Шишкин ушел из жизни в возрасте 66 лет очень неожиданно, сидя в своей мастерской за мольбертом, на котором стояла новая, только что начатая картина «Лесное царство».

Документальные фильмы про жизнь и творчество Ивана Шишкина:
из серии «Художник в Третьяковской галерее»: «Иван Шишкин»
из цикла «Люди РФ»: «Художник полудня Иван Шишкин»
28
Натали 1978   11.09.2017 - 23:02
№27 Риманта
Мне очень понравились такие строки:"Здесь страшная Вечность стоит пред тобою".
Очень верное определение. «Над вечным покоем» одна из самых философски наполненных и глубоких работ Левитана. Удивительно насколько разные мысли и чувства она вызывает у разных людей. Да даже у одного и того же человека, в зависимости от настроения и состояния души на данный момент.

Но на смену массивным тучам всегда придет светлое небо и солнце). Моя любимая картина у Левитана «Золотая осень» (1895) - одна из самых оптимистичных его работ и тоже достаточно интересная.

Картина изначально называлась «Осень» (1895). В середине 1890-х Левитан проживал со своей возлюбленной Кувшинниковой в одной из провинциальных усадеб. Неожиданно он увлекся отдыхающей на соседской даче Турчаниновой. Между ними завязался бурный роман. В этот период художник создал несколько картин, которые были созвучны его приподнятому душевному состоянию. «Осень» очень отличалась от печальных состояний осенней природы, которые обычно было свойственно изображать Левитану. Эта картина получилась необычно яркой. Сам Левитан был не вполне доволен этим произведением, считая его несколько «грубым». Спустя год он написал другую, менее известную картину, но уже в более привычной для себя манере - «Золотая осень» (1896). Однако по мнению ценителей творчества художника именно не свойственные Левитану приподнятые переживания сделали картину «Осень» (1895) подлинным шедевром пейзажной живописи. История запомнила первый вариант картины и вторую версию названия, получилась «Золотая осень» (1895)).

Купленная Третьяковым, картина «Золотая осень» (1895) была передана в дар Третьяковской галерее. «Золотая осень» (1896) находится там же.)

А с меня еще Шишкин)))
сообщение было отредактировано в 23:06
27
Риманта   11.09.2017 - 14:53
Натали, спасибо и за этот пост, очень приятно читать. Можно распологать и не следующее столь же интересное сообщение?) Про шедевр Левитана. Мне очень понравились такие строки:"Здесь страшная Вечность стоит пред тобою". Как я люблю эту картину...
26
Натали 1978   10.09.2017 - 21:40
Исаак Левитан: «Не существует страны лучше и красивей, чем Россия. Настоящий пейзажист может быть только здесь!» А про него говорили: «Левитан - это Пушкин русского пейзажа».

Левитан окончил Московское училище живописи в 1885 году. Звание и диплом художника он не получил - ему был выдан диплом учителя чистописания. Константин Паустовский писал: «Талантливый еврейский мальчик раздражал преподавателей. Еврей, по их мнению, не должен был касаться русского пейзажа. Это было дело коренных русских художников.» Спустя 13 лет, в 1898 году Левитану было присвоено звание академика пейзажной живописи, и он начал преподавать в том самом училище, в котором учился))).

Творческий путь Левитана длился всего около двадцати лет, но за эти годы он создал больше, чем все остальные пейзажисты России. Начиная работать под руководством Саврасова и Поленова, Левитан вскоре оставил далеко позади своих учителей. Можно без преувеличения сказать, что после Левитана русский пейзаж стал другим. Работы русских пейзажистов того времени больше походили на копии итальянских и французcких картин, в которых прежде всего ценилась ясность и эффектность художественного языка. Левитан же избегал изображать внешне эффектные места. В самом простом деревенском мотиве он, как никто другой, умел найти то родное и бесконечно близкое, что так неотразимо действует на душу русского человека, заставляя его снова и снова возвращаться к картине.

Пребывая в Москве, Левитан некоторое время снимал меблированную комнату на Тверской. Хозяйка брала с него плату только картинами. При этом, выбирала она их очень щепетильно.

Когда Левитану было всего 19 лет, он получил своё первое признание, как художник. Картина «Осенний день. Сокольники» (1879) - это один из немногих пейзажей Левитана, на которых присутствует фигура человека. Интересно, что фигура прогуливающейся по парку женщины была написана не Левитаном, а его другом по училищу Николаем Чеховым (братом Антона Чехова). Так же, как медведей для картины Шишкина «Утро в сосновом бору» написал Савицкий, а Репин написал Пушкина для картины Айвазовского «Пушкин на берегу моря». На одной из ученических выставок, картина «Осенний день. Сокольники» была замечена и куплена меценатом Павлом Третьяковым, что стало началом признания художника.

Левитан подружился с писателем Антоном Чеховым задолго до того, как оба обрели славу. Их дружба продолжалась всю жизнь, несмотря на ссоры и обиды. В 1892 году произошёл эпизод, ненадолго омрачивший их отношения. Чехов в сюжете рассказа «Попрыгунья» использовал некоторые моменты взаимоотношений Левитана, Кувшинниковой и её мужа. В 1895 году Левитан сымитировал попытку самоубийства в усадьбе Горки. После, по просьбе самого Левитана, в Горки приехал навестить друга Чехов. Писатель убедился, что опасности для жизни нет, вернулся в Москву потрясённый происшедшим, и написал рассказ «Дом с мезонином» и пьесу «Чайка», вызвавшие обиду у Левитана.

Сайт: levitan-world.ru /Во вкладке письма – письма Левитана к Чехову – очень забавно они общались:

«Прости мне, мой гениальный Чехов, мое молчание. Как поживаешь, мой хороший?»

«Как себя чувствуешь, господин почетный академик? Длится ли лихорадка, о которой писал мне? Я склонен думать, что эта твоя лихорадка есть лихорадка самовлюбленности - твоей хронической болезни!»

«Какой, брат, стыд, срам. Хоть я и простой академик, но тем не менее я снисхожу к тебе, почетному, и протягиваю тебе руку.»

«Ну, голубчик, дружески жму Вашу талантливую длань, сумевшую испортить такую уйму бумаги!»

«Кто из ваших вздумает приехать к нам, - обрадует адски. Не ленись, приезжай и ты, половина расходов по пути мои. На, давись! Будь здоров и помни, что есть Левитан, который очень любит вас, подлых!»

«Целую Ваш гениальный лоб. Величайший пейзажист во вселенной. Твой Левитан.»

Более 1000 картин оставил миру Исаак Левитан и почти каждая его работа может по праву считаться шедевром. Но лишь об одной картине он написал в письме к Третьякову: «Моих вещей у Вас достаточно, - но эта последняя что попала к Вам, трогает меня потому так сильно, что в ней я весь, со всей своей психикой, со всем моим содержанием». Речь идет о картине «Над вечным покоем» (1893). Эту работу выделял и Лев Толстой. Он назвал ее по-своему - «молитвой немой души». Также есть мнение, что картина «Над вечным покоем» является «самой русской» из всех, когда-либо написанных на русскую тему картин. Эту картину Левитан написал под Волочком, близ озера Удомля.

Чудесное описание картины (с просторов интернета): «Перед зрителем открывается грандиозная панорама: громадное застывшее озеро, над ним вздыбленное небо; деревянная, потемневшая от времени церковь на краю утеса; могильные кресты заброшенного кладбища. Безлюдный, давящий пейзаж. Колорит картины - холодный и темный; небольшие светлые вкрапления лишь усиливают общую мрачность. Композиция в картине выстроена так, что есть ощущение движения. Остроконечный утес, кажется, плывет по глади озера, но небольшой островок земли прерывает это движение. Так же, как крест церквушки тянется ввысь, но низкая тяжелая туча задавливает этот порыв. Таким образом, создается гнетущее ощущение безвыходности, замкнутости. Беспрерывная темная полоса туч захватила всю ширину горизонта. Некоторые видят в этом пейзаже образ «бренности и ничтожества человеческой муравьиной суеты». Но тогда Левитан был бы просто сумрачный тоскливый лирик. В картине задан совсем иной масштаб. Художник создает эпически величавый образ - здесь оправданный ужас человека перед неизбежностью смерти. Природа в картине, безмолвная и безмерная - единственный равнодушный свидетель этого ужаса. В чем же спасение, или Левитан призывает нас просто достойно склониться перед неизбежным? Уже в цветовом решении картины художник указывает выход: светлая тропинка среди темно-зеленой травы ведет к храму. Над храмом светлеет небо, расходятся тучи, словно просвечивает на¬дежда. На фоне темных холодных тонов - теплый колорит церкви с ее огоньком в окне. Этот крошечный огонек - самая теплая, живая точка в картине.»

Хотя мне ближе вот такие мысли: «Всей мощи стихии противостоит маленький купол церквушки. Он направлен строго вверх, а его цвет, сливающийся с металлическими тонами неба, создает ощущение неколебимости и прочности. Левитан в этой работе не обошелся без оптимистических намеков. Лишь твердая вера может помочь человеку обрести покой и уверенность в своих целях и смысле своей жизни. Это оптимистичное утверждение «зашифровано» в картине. В этой мелкой детали самая суть знаковой работы художника.»

Известно, что эту работу художник писал, слушая музыку. Торжественные и печальные звуки траурного марша Бетховена вдохновляли и заставляли Левитана создавать мрачную и почти трагическую атмосферу этой работы. После работы над картиной он иногда просил свою спутницу Кувшинникову читать ему по несколько страниц из Библии. Православие не принимал, но его всегда поражало и пленяло своей красотой православное богослужение.

Левитан не дожил совсем немного до своего 40-летия. В его мастерской осталось около 40 неоконченных картин и около 300 этюдов. Последняя его работа - «Озеро» (1900) - также осталась незаконченной. В 1901 году прошла выставка произведений Левитана в Петербурге и Москве. Кроме ранее экспонировавшихся, некоторые произведения были выставлены впервые, среди них - неоконченное полотно «Озеро».

Про жизнь и творчество Исаака Левитана документальные фильмы:
«Библейский сюжет. Исаак Левитан. «Над вечным покоем»
«Больше, чем любовь. Исаак Левитан и Софья Кувшинникова»

Опять же сайт: levitan-world.ru – очень замечательный! Во вкладке графика есть эскизы и подготовительные рисунки с описанием. И вообще много интересного!
25
Натали 1978   10.09.2017 - 01:58
№24 Ой, ну это вряд ли))). Но про некоторых почему бы и нет! Про Левитана и Шишкина очень много «интересностей» есть. С удовольствием напишу. В принципе, все есть в свободном доступе, но, когда любопытные и малоизвестные факты собраны вместе, получается интересно. Сначала еще про Моне))).

Клод Моне в школе ничем не отличался, кроме способностей к рисованию. У его родителей была бакалейная лавка, которую они надеялись передать сыну. Вопреки надеждам отца, Клод с раннего возраста тянулся к живописи, рисовал карикатуры и не помышлял о том, чтобы стать бакалейщиком.

Если присмотреться к женщинам на картинах Клода Моне, на большинстве картин одна и та же женщина Камилла – его жена. Она позировала ему для многих полотен. Особенно интересна ранняя работа «Женщины в саду» (1867). Моделью для всех четырех персонажей была одна Камилла. Эта картина полностью написана на природе. Чтобы поймать нужное освещение, Моне вырыл траншею, позволяющую перемещать холст вверх и вниз. До этого ему приходилось подолгу ждать нужного освещения, и только после этого браться за кисть. Поначалу эту работу не приняли, но спустя годы, французское правительство посчитало для себя честью приобрести это полотно за приличную сумму.

Картина «Мост Ватерлоо. Эффект тумана» (1903). При рассмотрении картины с близкого расстояния видно только полотно на которое нанесены частые густые масляные мазки. Картина раскрывается, если постепенно отодвигаться на большее расстояние. Сначала начинают проявляться полуокружности, затем очертания лодок и, отойдя на расстояние приблизительно двух метров, резко прорисовываются все детали картины. Очень плотный и сложно осязаемый объём был достигнут созданием огромного количества тональных переходов.

Клод Моне придумал технику: писать по несколько картин одновременно. Сеанс живописи над одной картиной мог составлять полчаса, затем он переходил к другой, чтобы поймать и передать другое сиюминутное впечатление. Похожий метод недавно в литературной теме был предложен))))).

Как только Моне приобрел собственный дом, он создал сад, который стал источником вдохновения и его мастерской. Моне создал в своём саду цветники и красивый водоём, где росли кувшинки и нимфеи. Он планировал сад, полагаясь на своё чувство цвета, и его сад стал живым произведением искусства. Цветовая палитра и её изменчивость в зависимости от времени года была продумана до мелочей. Все гармонично сочеталось, образуя природную живопись. Моне писал: «После живописи и садоводства я больше ничего не умею делать». Долгий период творчества, связанный с садом, подарил миру такие серии работ, как "Кувшинки", "Мельницы" "Тополя"...

Клоду Моне грозила слепота и он перенес две операции. После восстановления зрения, он стал видеть некоторые цвета иначе. Рисуя знаменитые «Водяные лилии» (1915), Моне видел лилии голубоватыми в ультрафиолетовом диапазоне, в отличие от обычных людей, для которых они были просто белыми.

Картина «Пруд с водяными лилиями» (1919) - является самой дорогой картиной Моне. В 2008 году на аукционных торгах в Лондоне эта картина была продана за баснословные деньги - $80 миллионов.

Клод Моне прожил долгую жизнь – 86 лет. Ему пришлось пережить отсутствие признания его творчества, нищету и даже попытку самоубийства. Но как бы ни складывались жизненные обстоятельства, он никогда не изменял принципам своего творчества. Мастер художественного слова, французский писатель Ги де Мопассан писал о Клоде Моне: «…он взял ливень над морем в свои руки и швырнул его на холст – и в самом деле это был настоящий дождь, перенесенный на полотно.»
сообщение было отредактировано в 02:01
24
Риманта   9.09.2017 - 23:41
N 23 Натали, как интересно. Может, и про других художников вы создадите такие замечательные посты?
23
Натали 1978   9.09.2017 - 13:10
№20 Риманта
"Приключения Электроника".
- Ты приукрасил жизнь. А настоящий художник должен быть правдив!

Фильм «Импрессионисты» 2006 - диалог Клода Моне и учителя:
Учитель:
- Неплохо. Но очень уж похоже на натурщика. Натура всего лишь средство, а не цель. А шедевр складывается из сотни несовершенных моделей!
Клод Моне:
- А для меня любая натура совершенна!
Учитель:
- Правда никого на интересует. В живописи главное стиль!
Клод Моне:
- А мне нужна реальность. Мне только что открылось будущее!

Моне стал разрабатывать методы и приёмы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир. Термин «импрессионизм» появился благодаря картине Клода Моне «Впечатление. Восходящее солнце» 1872, которая была выставлена на первой крупной выставке импрессионистов «Салон отверженных». Интересно, что лучшим произведением от импрессионизма в живописи считают тоже картину Клода Моне «Водные лилии» 1915.

КЛОД МОНЕ и его живопись в кино)))

Фильм «Я, Клод Моне» 2017 – фильм о творчестве Клода Моне основанный реальных событиях. В основу сюжета вошли подлинные письма и личные записи.

Фильм «Фальсификатор» 2014 – главный герой подделывает картину Клода Моне «Прогулка. Дама с зонтиком - Мадам Моне с сыном» и подменяет оригинал картины подделкой.

Сериал «Кухня» 2012 ……– ресторан Клод Моне «Claude Monet».

Сериал «Сплетница» 2007 – Клод Моне любимый художник главной героини.

Фильм «Импрессионисты» 2006 – о жизни и творчестве Клода Моне основанный на реальных событиях. В основу сюжета вошли подлинные письма, интервью и воспоминания. В фильме показана история создания наиболее известных картин и их представление.

Фильм «Афера Томаса Крауна» 1999 – главный герой похищает картину Клода Моне «Сан-Джорджо Маджоре в сумерках» из музея. Интересно, что полотно получило наибольшую популярность со стороны общественности после выхода фильма. В фильме присутствует еще одна картина «Стога сена. Конец лета».

Фильм «Титаник» 1997 – картина Клода Моне «Водяные лилии».
22
Риманта   9.09.2017 - 12:50
Согласна, у самой"морда инстинктивно отворачивается" при виде этого(цитата из Зощенко))) А песня замечательная)
№21 Андрей Ляпчев
... А я даже смотреть не могу, когда варварски картины режут...
Только песню люблю.

1 2 3 >
Кино-Театр.ру Фейсбук
Кино-Театр.ру Вконтакте
Кино-Театр.ру Одноклассники
17 ноября
ТВЦ
18 ноября
Россия 1
18 ноября
Первый канал
20 ноября
СТС
20 ноября
Домашний